SombrasTenebrosas

El culebrón terrorífico de Tim Burton

`Sombras tenebrosas´ es una película que queda reducida a un cruce antinatura entre la serie de televisión `Revenge´ y `La familia Addams´. Un plato que puede gustar a los espectadores de multisala, aunque decepcionará a los seguidores de Tim Burton. 


El director Tim Burton y el actor Johnny Depp forman una de las parejas artísticas de más éxito del séptimo arte. Ambos comparten cierta pasión por lo bizarro y lo extraño, que han convertido en casi una marca de fábrica. Sin embargo, sus primeros y arriesgados proyectos han dado paso a otros más acomodaticios y menos logrados.

Sombras tenebrosas, su octavo trabajo juntos, forma parte de esta cuesta abajo en la colaboración entre el famoso cineasta y la estrella de Hollywood. La película es la adaptación de Dark Shadows, una serie de televisión que emitióla cadena ABC entre finales de los 60 y principios de los 70.

El espacio creado por Dan Curtis se caracterizó por incorporar elementos góticos a las intrigas familiares habituales en cualquier culebrón. Poco a poco, los aspectos fantásticos se fueron haciendo cada vez más importantes en los guiones protagonizados por el clan de los Collins.

En busca de unas mayores audiencias, los creadores de la serie decidieron incluir  el personaje  de Bárnabas Collins, el patriarca vampiro de tan singular familia. Pronto, el nuevo protagonista se convirtió en el gran atractivo de un espacio que forma ya parte de la cultura popular norteamericana.

Burton y Depp, fans de la serie original, no han perdido la ocasión de arriesgarse a llevar al cine este clásico de la pequeña pantalla. Lo han hecho con la ayuda de uno de los guionistas y escritores que más saben de terror en la actualidad: Seth Grahame Smith, el autor de pastiches como Orgullo y  prejuicio y zombis o Abraham Lincoln, cazador de vampiros.

El resultado es una insatisfactoria mezcla de terror, melodrama familar, referencias pop y el humor bizarro característico de la mayoría de los personajes que Depp ha encarnado a lo largo de su carrera.

Burton acierta en un prólogo donde se nos cuenta los orígenes de Barnabas Collins, un hombre convertido en vampiro por una bruja celosa del amor que el patriarca sentía por otra joven. Sin embargo, patina cuando decide despertar al chupasangres dos siglos después, en plenos años 70.

Es entonces cuando Burton y Grahame Smith prefieren centrarse en los esfuerzos del personajes por restablecer el poder de los Collins  y vengarse de la persona que le convirtió en un monstruo antes que ceñirse a la historia de amor entre el patriarca del clan y la niñera que vive en la mansión familiar, reencarnación de la que fuera su amada.

La película se convierte así en un cúmulo de tramas que no acaba de funcionar. Como buen culebrón hay traiciones, sexo y muertes, aunque poco de lo que ocurre en pantalla interese verdaderamente.

Burton y Depp lo bañan todo con su peculiar humor bizarro, pero sin lograr que la película destaque por sus momentos cómicos. Tampoco el numeroso reparto, donde destaca la poderosa presencia de una madura Michelle Pfeiffer, acaba de brillar en unos personajes que son poco más que monigotes.

Queda, eso sí, la habilidad del cineasta estadounidense para crear atmósferas siniestras, aunque resulte un escaso consuelo para el responsable de maravillas como Eduardo Manostijeras, Ed Wood o Pesadilla antes de Navidad, la cinta de animación que realizó junto a Henry Selick.

En definitiva, Sombras tenebrosas queda reducida así a un cruce antinatura entre la serie de televisión Revenge y La familia Addams. Un plato que puede gustar a los espectadores de multisala, aunque decepcionará a los seguidores de Tim Burton.

| Crítica de cine de Julio Vallejo para Coveritmedia.

 

David Trueba

David Trueba regresa a su Madrid de 1987

David Trueba estrena ‘Madrid, 1987’, una película de buenos diálogos, que empareja a una joven periodista (María Valverde) y un veterano articulista (José Sacristán). El filme, el único español en competición en el Festival de Sundance, contó con un bajo presupuesto ajustado a estos tiempos de crisis. No obstante, Trueba asegura que esta fórmula no es extensible a toda la industria, porque el cine español debe contar con proyectos de todos los tamaños. “El cine es el mejor Ministerio de Asuntos Exteriores que un país puede tener”, concluye.

| Entrevista de Julio Vallejo para Coveritmedia.

Nacho Vigalondo y su película Extraterrestre

Vigalondo reivindica la comedia de los 80

`Extraterrestre´ es una película con elementos de ciencia-ficción más humana de lo que puede parecer a simple vista. Hay un platillo volante que sobrevuela las cabezas de los personajes, pero no encontramos ni horrible monstruos procedentes del espacio ni espectaculares efectos visuales. Los grandes protagonistas son personas de carne y hueso situadas en una situación tan improbable y excepcional como una invasión alienígena.

El director Nacho Vigalondo parte de una idea semejante a la que ya utilizó en su corto Domingo, donde una parejita descubría una nave espacial mientras disfruta de un picnic en el campo. El avistamiento era una excusa del cineasta para poner de manifiesto los problemas que existen entre los dos novios.

En Extraterrestre, Julio y Julia son un hombre y una mujer que se han levantado juntos en la cama sin recordar demasiado bien cómo llegaron allí. Con síntomas de resaca, ambos se despiertan y comprueban que un ovni sobrevuela el cielo de una deshabitada ciudad de Madrid.

Optan entonces quedarse en el piso de Julia mientras deciden qué hacer. Pronto se les unirán el novio de la joven y su peculiar vecino, un treintañero que está enamorado de la chica. Entre ellos, se establecerán una relación repleta de mentiras y secretos.

Extraterrestre, como reconoce su director, puede considerarse como una actualización de aquellas “comedias de apartamentos” que tanto proliferaron en las películas de Fernando Trueba y Fernando Colomo durante los primeros 80.

Vigalondo quiere rescatar ese espíritu y no duda en afirmar que no le importaría que su película fuera comparada con cintas como Opera prima o Bajarse al moro.

El director también apuesta por lo que se ha convertido en una moda en el cine español actual: incluir a cómicos procedentes de la televisión o el teatro en largometrajes para la gran pantalla.

En esta ocasión, los elegidos son Miguel Noguera y dos miembros de Muchachada Nui, Raúl Cimas y Carlos Areces. Los tres no desentonan con los trabajos de los dos protagonistas del filme, Michelle Jenner y Julián Villagrán, dos actores que han mostrado su capacidad para moverse en diversos registros interpretativos.

Reportaje y entrevista por @JVallejoHeran para Coveritmedia.

Coveritmedia tuitea los Premios Oscar 2012

Tuiteamos los Premios Oscar 2012

Coveritmedia.com `tuitea´ la ceremonia de los Premios Oscar 2012 de Hollywood. La Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas celebra este domingo la 84ª edición. Las quinielas apuntan a `The Artist´ o `La invención de Hugo´ como ganadores. George Clooney o Meryl Streep aparecen también como posibles Oscar  a la interpretación.

Entrevista a Iciar Bollaín en Coveritmedia.com

La escasa presencia en los Goya de Katmandú

“Katmandú, un espejo en el cielo no es un biopic”. Es la frase que Icíar Bollaín no se cansa de repetir cada vez que la prensa le pregunta sobre la fidelidad de su nueva película con `Una maestra en Katmandú´, el libro autobiográfico de la profesora Vicky Subirana que le ha servido como base para su largometraje, `Katmandú, un espejo en el cielo´.

“Me he inspirado en la vida de Vicky, pero no es un documental”, aclara la directora madrileña acerca de su nueva película. Bollaín ha intentado captar “el espíritu” de las peripecias de esa maestra catalana que se fue a Nepal para enseñar a los niños de aquel país asiático.

Una particular odisea que muestra a una protagonista -encarnada por la actriz Verónica Echegui- con una personalidad un tanto ingenua.

“El personaje es un poco naíf-, aunque yo he intentando que la película no lo sea. Montar una escuela con tus ahorros es una cosa muy complicada. La protagonista va encontrándose poco a poco con los problemas”, puntualiza la directora.

Después añade: “Es alguien que no responde a una ideología política determinada, ni pertenece a una organización, ni tiene una motivación religiosa. Se aproxima a todo de una manera personal, casi kamikaze. Ella siente una conexión especial con sus alumnos al haber sido de una manera u otra también una paria. Lo que me parece interesante es cómo se da cuenta que sola no puede hacer todo esto. Tiene inocencia, pero también una energía y una pasión muy bonitas”.

Vicky Subirana, la maestra en la que se inspira el filme, se encuentra “entusiasmada” con la película, aunque se mostrara un tanto escéptica durante el rodaje.

“Vino al rodaje, vio la escuela y nos dijo: Las clases no eran así. Tuve que explicarle que lo que intentaba era captar el espíritu de lo que hacía”, expone la directora de Te doy mis ojos.

Extranjeros por el mundo

Katmandú, un espejo en el cielo continúa, en cierta medida, la propensión de Bollaín a situar a españoles en países extranjeros, una tendencia que inauguró También la lluvia.

Me fascinan los españoles por el mundo. Me encanta encontrármelos y me preguntó qué hacen allí”, reconoce la cineasta. “La gente en un lugar que no es el suyo-prosigue- es muy interesante, porque tiene que enfrentarse a muchas cosas. Por ejemplo, entender nueva cultura y aprender a no juzgarla”.

La realizadora continúa con su punto de vista realista del cine y se aleja conscientemente de la visión esteticista que sobre el Nepal nos mostraron el realizador Bernardo Bertolucci y el director de fotografía Vittorio Storaro en largometrajes como El pequeño Buda.

“Katmandú trata sobre alguien que se encuentra en Nepal y se topa con una realidad. Si la decoras, no será bueno para la película. Si te mantienes más cercano a la realidad, vas a ganar más. El paisaje humano de la película llega incluso más que el natural. Mostrar las caras de la gente tal como son es también algo muy bello”.

Premios Goya

Acostumbrada a ser una de las favoritas en los Premios Goya, Bollaín se muestra satisfecha con las candidaturas a la mejor actriz y mejor guion adaptado a las que opta Katmandú, un espejo en el cielo, aunque le hubiera gustado que se reconociera al filme en alguno de los apartados técnicos. La propia directora explica las razones de su escasa presencia en los galardones.

“Para poder entrar en los Goya hemos hecho un pequeño estreno que ahora se hace el grande. La gente de la Academia ha tenido un montón de pases, pero nunca tienes el mismo eco que cuando estrenas de manera más amplia. Me parece difícil conseguir más candidaturas sin acompañarte de un debut y unas críticas. Ya me doy contenta con dos nominaciones, aunque es una pena que no tenga más, porque hay trabajos superchulos en la peli. Hay una labor de arte y de vestuario muy grande, y te gustaría que la gente que se ha metido contigo en esta aventura tuviera una nominación”, finaliza.

Entrevista por @JVallejoHeran para Coveritmedia

Chico y Rita compite en los Premios Oscar de Hollywood

Trueba puede ganar su segundo Oscar

El director Fernando Trueba puede alzarse con su segundo Oscar, después de que su película `Chico y Rita´opte al mejor filme de animación. La cinta de Trueba, Javier Mariscal y Tono Errando parece tener un largo recorrido. Ya ganó el Goya de animación 2011 y ahora está entre las nominadas en Hollywood. Trueba ya obtuvo su primera estatuilla con `Belle Epoque´ (1992) y pronto viajará de nuevo a Los Ángeles.

En esta entrevista, el cineasta, el ilustrador Javier Mariscal y la actriz cubana Limara Meneses nos desvelan cómo fue la creación de los personajes animados de este filme ambientado en La Habana y Nueva York de los años 40. | Entrevista por Julio Vallejo para Coveritmedia

 

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Álex de la Iglesia arremete contra la crisis

“La Chispa de la Vida trata sobre la posibilidad de mantener la dignidad. Es el momento en que dices ‘Perdona pero no’”. Así define Álex de la Iglesia su última película, una historia que gira entorno a un publicista en paro que sufre un percance en las ruinas de un teatro romano, mientras busca el hotel donde pasó la luna de miel junto a su esposa.

El accidente, ocurrido durante la presentación de la restauración del monumento, provoca un gran revuelo político y mediático a escala nacional e internacional.

Un largometraje optimista
Protagonizada por el cómico José Mota y la mexicana Salma Hayek, el largometraje es un alegato contra cierto “positivismo” que nos inunda en estos tiempos de crisis.

“Creo que una de las razones por las que estamos así es porque pensamos que es bueno decir que la botella está medio llena, que si tienes una enfermedad te puedes curar con muchas ganas. Los problemas sólo se solucionan cuando hay respuesta”, explica el cineasta.

“En la película Salma Hayek dice que su marido no hubiera tenido el accidente si ella no le hubiera dicho cada vez que volvía a casa: ‘Tranquilo, cariño, que todo va a ir bien’. Yo creo que hay cosas que no van bien y hay que saberlo para reaccionar a tiempo”, añade.

No obstante, De la Iglesia piensa que el mensaje del filme resulta esperanzador.

“Creo que es muy optimista de alguna manera, porque existen personajes que cambian las cosas. Hay algo que está muy claro. La sociedad no se sostendría si no hubiera personas honestas”, admite.

Después puntualiza: “Es posible que las estructuras que manejan las grandes decisiones estén carcomidas, pero hay un substrato de gente honesta. Creo que de eso trata la película. Hay alguien que para todo, da una patada y rechaza ese comportamiento”.

Este rasgo de integridad lo representan mejor que ningunas las mujeres de La chispa de la vida, especialmente el de la esposa del protagonista al que encarna Salma Hayek.

“Es una ama de casa que lleva una vida normal y cuya misión es hacerle la vida más soportable a su marido. Cuando su esposo va a buscar trabajo, su función es decirle: ‘No te preocupes, mañana vas a volver y todo será maravilloso’. Su marido se vuelve loco por la posibilidad de un mundo mejor que nunca llega. Es entonces cuando toma cartas en el asunto y se pone en contra de todos para salvar la dignidad de su pareja”, apostilla el realizador.

Una película personal
Álex de la Iglesia también se niega a hablar de su última cinta como un trabajo de encargo. Aunque parte de un guión de Randy Feldmand, que contaba la historia de un hombre que tiene un accidente en una obra en construcción buscando el lugar donde pasó la luna de miel, el vasco ha incluido elementos propios.

“La idea de situar la película en un teatro romano es mía, así como el personaje del alcalde o la directora del museo. La familia tampoco tiene mucho que ver con el original. Los personajes que rodean al drama son diferentes. Además, yo quería potenciar que la mujer es la que salva todo”, argumenta el autor de Acción mutante.

Sinde y los Goya
El cineasta, que el año pasado fue una de las grandes perdedoras de los premios Goya con Balada triste de trompeta, no está demasiado disgustado por la escasa presencia de su película en la edición de estos galardones.

Parece contento con que su actriz y actor principales opten a estatuilla, y confiesa que le “hubiera mosqueado mucho que no hubieran nominado a José Mota”.

En su quiniela de los Goya, De la Iglesia apuesta por Enrique Urbizu como ganador, aunque admite que vería con buenos ojos que se lo llevara Pedro Almodóvar, porque, según expresa, “necesitamos darle un premio”.

En cuanto a su postura respecto a la denominada Ley Sinde, el director señala que su opinión no ha variado ostensiblemente en un año.

“Humildemente, como creador, pienso que se necesita una ley, pero no es ésta. Creo que lo más sensato sería empezar desde cero y contar con todos los sectores implicados”, concluye.

Entrevista por @JVallejoHeran | Coveritmedia.

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El thriller posmoderno de `Drive´

`Drive´ es la película del momento. Sin embargo, Nicolas Winding Refn, director al que debemos cintas de culto como la trilogía `Pusher´ o `Fear X´, no ha inventado nada. El cineasta danés se ha limitado a reformular en clave personal estilizados thrillers como `Driver´, una de las películas más olvidadas de Walter Hill, o también `Ladrón´, el debut en la pantalla grande de Michael Mann.

Curiosamente, ambos largometrajes eran cintas de acción norteamericanas que tomaban como referencia un cierto cine negro del viejo continente inspirado, a su vez, en películas estadounidenses.

El europeo Refn adapta sus referentes a su manera de ver el thriller y la violencia. Sus escenas de pelea son brutales, mientras que los momentos más románticos resultan de una hipnótica placidez. El realizador demuestra así su habilidad para desarrollar un cine de género personal muy alejado del frenesí de Michael Bay y otros realizadores de películas de acción más comercial.

Basado en la novela homónima de James Wallis, Drive sigue los pasos de un conductor con doble vida: trabaja como especialista por el día, mientras que las noches las reserva para ser el chófer de criminales. Su vida cambia cuando se enamora de una vecina que tiene un niño pequeño. La relación entre ambos se irá poco a poco estrechando. Sin embargo, su apacible existencia se verá alterada cuando el padre del chaval salga de la cárcel.

Aunque el exconvicto quiere dejar los negocios sucios en los que estaba metido antes de ingresar en prisión, un gángster no se lo permitirá. El mafioso quiere que salde una vieja deuda con un último trabajito. El conductor se ofrecerá a prestarle su ayuda a la pareja de su amada, aunque las cosas no saldrán como ambos esperan.

Con una trama bastante sencilla, Refn nos regala un ejercicio de estilo verdaderamente hipnótico. El realizador danés consigue una atmósfera de tensa placidez gracias a una magnífica utilización del ralentí, el sabio uso de la electrónica más relajada en la música incidental y los temas pop que aparecen en su banda sonora, y una dirección de actores que prima la contención frente a los desmelenes interpretativos.

El resultado es una película que nos ofrece un estupendo retrato de un hombre que se debate entre el amor por su vecina y la rabia que anida en su interior. Ryan Gosling borda el papel con una interpretación sutil y contenida.

Su trabajo recuerda en muchos momentos al de Alain Delon en El silencio de un hombre, aunque el personaje que encarna el joven actor canadiense resulte más simpático que el de la estrella francesa en el clásico de Jean Pierre-Melville.

A la vez, Refn aprovecha para hacer su particular homenaje a los 80 y, especialmente, a los primeros trabajos de Michael Mann. El uso de la estupenda banda sonora electrónica de Cliff Martínez recuerda en bastantes ocasiones a la música que compusieron Tangerine Dream o Jan Hammer para los primeros trabajos del director de Heat.

Por otra parte, la particular obsesión por los neones, los planos aéreos nocturnos y un cierto halo cool nos remite, sin ninguna duda, al creador de la serie de televisión Corrupción en Miami.

Al fin y al cabo, como le ocurre a Quentin Tarantino, Refn es un realizador cinéfilo que aprovecha sus filmes para mostrar la cantidad de películas que ha digerido a lo largo de su vida.

Crítica de cine por @JVallejoHeran para Coveritmedia.

Route-Irish Ken Loach

Ken Loach dispara al negocio de la guerra

El cine de Ken Loach siempre da lo mejor de sí cuando sus tramas tienen lugar dentro de las islas británicas. Películas del calibre de `Kess´ (1969), `Riff- Raff´ (1990) o `Lloviendo piedras´ (1993) resultan más veraces y conmovedoras que aquellas otras -como `Tierra y libertad´ (1995), `La canción de Carla´ (1996) y `Pan y rosas´ (2000)- que tienen lugar en países más o menos alejados del radio de acción habitual en el director inglés.

`Route Irish´ se sitúa en un particular término medio entre ambas corrientes. Gran parte de la trama transcurre en Liverpool, aunque parte de los hechos que investiga el protagonista, un mercenario retirado, tengan lugar en Irak. De hecho, la ruta irlandesa a la que hace referencia el título del largometraje es la carretera que une el aeropuerto de Bagdad con la zona verde, el sector ultraprotegido de la capital del país asiático.

En la denominada Avenida de la muerte fue donde murió Frankie (John Bishop), un ex paracaidista que acudió a Irak por dos motivos: ganar dinero como mercenario y luchar junto a Fergus (Mark Womack), su amigo del alma. Será precisamente su camarada el que iniciará una investigación para dilucidar cuáles fueron las verdaderas causas del fallecimiento de su casi inseparable compañero. Pronto descubrirá que Frankie murió cuando intentaba denunciar los excesos de otro “contratista extranjero”.

Loach y Paul Laverty, su guionista habitual, optan por combinar la trama casi detectivesca que inicia Fergus en Liverpool con los flashbacks y grabaciones que tienen lugar en Bagdad para mostrarnos tanto el mundo más o menos tranquilo de la ciudad inglesa como las bestialidades cometidas por los ejércitos extranjeros y los mercenarios en territorio iraquí. Sin embargo, el director británico no consigue alcanzar la misma intensidad en ambas facetas.

Todas aquellas imágenes de guerra y la investigación resultan bastante menos interesantes y efectivas que el retrato de Fergus, un contratista retirado que se ha convertido en un ser violento y solitario después de competir en varios conflictos armados. Ni el consuelo que le aporta la pareja de su colega (Andrea Lowe) fallecido parece calmarle. Es precisamente ahí, cuando el director se acerca a los efectos nocivos de la guerra en aquellos que participan en ella de una u otra manera, donde el largometraje alcanza sus mejores momentos.

La trama detectivesca y los juicios más o menos explícitos sobre los desmanes del ejército norteamericano y los mercenarios quedan entonces empequeñecidos ante el drama personal que existe en todos aquellos que han vivido un conflicto armado.

Con su habitual estilo casi documental y su magistral dirección de actores, el director inglés vuelve a demostrar que su cine gana intensidad cuando sus historias se acercan a los sentimientos de sus torturados personajes y se alejan de la arenga política.

Crítica de cine por @JVallejoHeran para Coveritmedia.

pedro_almodovar

Almodóvar difumina las malas críticas

Pedro Almodóvar cree “muy oportuna” su nominación a los Globos de Oro por su película `La piel que habito´. El cineasta opina que así se difuminarán las malas críticas que recibió en España, frente a la buena acogida del filme en EE UU. En la presentación de su libro de fotos `Los archivos de Pedro Almodóvar´ (Taschen, 2011), el director manchego también anunció que ya tiene protagonista masculino para su nueva película. | Reportaje Coveritmedia.